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Principios de la animación
Independientemente de la técnica a usar, para obtener verosimilitud en el movimiento hay que aplicar la física que hemos aprendido y observamos de nuestro mundo real. Para esto observamos cuidadosamente la naturaleza y entendemos su escencia. Para entender el movimiento aplicamos la lógica y el sentido común; identificamos el peso de los cuerpos que estamos recreando, sus materiales, el ambiente que los afecta, las fuerzas que detonan los movimientos. La vida es movimiento y la observación detallada del entorno nos permite recrearlo.
Las leyes físicas
Las tres leyes de Newton
Ley de la inercia
Todo cuerpo permanece en un estado de reposo o de movimiento uniforme y rectilíneo a menos que la fuerza modifique ese estado.
Ley de la fuerza
El cambio en el movimiento de un cuerpo está directamente relacionado con la magnitud y dirección de la fuerza que se ejerza sobre él y con su masa.
Ley de acción y reacción
A toda acción corresponde una reacción de la misma magnitud pero en sentido contrario.
El tiempo
La naturaleza de los objetos determina su movimiento. Por ejemplo un cuerpo pesado se caracteriza por el esfuerzo que requiere su desplazamiento, el ritmo de sus movimientos está determinado por la inercia y el grado de oscilación que requiere para mantener el equilibrio. Un cuerpo liviano opone menor resistencia a las fuerzas que se ejercen sobre él al desplazarse y por el ritmo de sus movimientos relacionados con su poca masa.
Los 12 principios de la animación clásica de Disney
Los 12 principios de la animación fueron recopilados por Frank Thomas y Ollie Johnston en el libro The Illusion of Life, del trabajo de muchos animadores que hacian parte de los estudios de Disney. No son leyes rigidas sobre una sola manera de hacer animación, sin embargo ha sido un emblema de la industria animada. Un estilo que crearon los estudios y un lenguaje para comunicarse entre animadores. Este estilo ha sido cuestionado sobre todo por la tendencia a deformar el personaje al ejercer demasiada exageración en movimientos, sin embargo conocerlos permite entender cómo por medio de la interpretación de la física podemos recrear el movimiento.
Estirar y encoger
Sirve para recrear la velocidad o inercia de un cuerpo y dar ilusión de peso y volúmen. Consiste en la deformación del objeto o de sus elementos (vestuario, cabellos, brazos) como acción secundaria para aumentar la sensación de movimiento.Los cuerpos se achatan cuando tocan el suelo y se estiran cuando cogen velocidad contra la fuerza de gravedad.
Anticipación
La anticipación es usada para generar suspenso y previsibilidad a un movimiento. Generalmente ocurre en el sentido contrario del cual sucederá el movimiento.
Puesta en escena
Define la personalidad, las intenciones y el estado de ánimo del objeto-sujeto. Se define en relación al contexto y los elementos de la escena que acompañen al personaje.
Acción directa o pose a pose
Estas son dos técnicas para concebir el flujo de trabajo y la creación del movimiento. Primero está la acción directa donde concebimos cada movimiento en una secuencia lineal de principio a fin; en el pose a pose analizamos los movimientos más representativos, donde existen cambios significativos en el personaje y sus posiciones, estos son nombrados como posiciones clave o Key. Después de tener las claves del movimiento procedemos a entender los movimientos intermedios o extremos que son producto del cambio de posición.
Acción continuada y superpuesta
Acción Continuada y superpuesta. Estos dos principios ayudan a enfatizar la acción, brindan naturalidad y credibilidad al movimiento. Se produce al finalizar la trayectoria de un cuerpo ya que al parar un movimiento los cuerpos no quedan totalmete estáticos, así que las distintas partes del objeto-sujeto tienden a continuar la trayectoria (principio de inercia).
Por otro lado la superposición brinda naturalidad, para esto se debe evitar que los elementos o partes del cuerpo reaccionen de forma paralela y simultánea. Por ejemplo si un personaje acaba de aterrizar de un salto podemos apoyar primero un pie y a continuación el otro.
Entradas lentas y salidad lentas
Recrea movimientos más naturales y orgánicos. Todo objeto en movimiento, afectado por la gravedad y resistencia, tiene una aceleración y una deceleración (Progresivas). Es decir, en las salidas y entradas el objeto se mueve mas lento, mientras que durante la trayectoria, la velocidad es más rápida. Existe una excepción, los choques y las colisiones.
Arcos
Los seres vivos no se mueven en línea recta. Estamos construidos con articulaciones que funcionan como pivotes, además nuestras trayectorias no son perfectas. Al crear arcos en los movimientos se dará una apariencia natural.
Acción secundaria
Consiste en dar vida a esos pequeños elementos que complementan la acción principal y de hecho son consecuencia de ella. Las reacciones de nuestro pelo, el clásico sombrero que se queda flotando en el aire si un personaje de pronto echa a correr son claros ejemplos de animación secundaria. Por eso se llama acción secundaria, porque nunca debe estar más marcada que la acción dominante. Solo existe para enfatizarla.
Ritmo
Este se refiere al ritmo y duración que debería tardar un personaje en realizar una acción y está relacionado con sus materiales, su estructura física y su contexto..
Exageración
En animación, acentuar y exagerar una acción generalmente ayuda a hacerla más creíble. Aquí pueden intervenir todos los demás principios. O mejor dicho, el principio de exageración puede intervenir en todos los demás. Podemos exagerar una anticipación, un estirar y encoger y demás. Este principio debemos aplicarlo solo de forma coherente. En función de la situación, del estilo de la animación, o de la intensidad emocional de la escena.
Dibujos sólidos
El principio de solidez hace referencia a dos cosas. La pose que se realiza debe ser natural, crieble y que guarde el equilibro. Además debe poder hacerlo durante toda la secuencia.
La segunda cosa a tener en cuenta, hace referencia a cada una de las imágenes que componen una secuencia. La animación debe ser consecuente y todas las poses que componen esa animación deben funcionar de forma individual además de ser coherentes entre si. Por ejemplo, si el personaje está triste y se para en cualquiera de sus fotogramas, este debe reflejar esa emoción sin que sea necesario ver la secuencia completa.
Personalidad
El significado de animación (etimológicamente) es dar ánima, dar alma, dar vida. El principio de personalidad consiste en que un personaje debe ser coherente con su forma de ser, de moverse y con su estado emocional, esto crea una conexión emocional con el espectador.
La personalidad o la apariencia debe ser además sólida y atractiva. Al igual que ocurre con un actor real, en la personalidad deben reflejarse sus complejos, sus deseos y necesidades. Estos marcarán su comportamiento y sus reacciones a lo largo del film. Este principio busca el atractivo, la credibilidad y la coherencia para que el espectador tenga la sensación de que el personaje es real, que está vivo.
Ejercicios
Observación
1. Visitar los siguientes enlaces ver el material allí publicado y analizar cómo éstos animadores aplican los principios de animación y las leyes físicas.
Practica en Krita
2. Teniendo como bases los Gifs de los principios de la animación, escogeremos uno, el cual será el principal o la base del movimiento y complementaremos con otros dos los cuales serán los movimientos secundarios. En Krita abriremos el gif y recrearemos cuadro a cuadro el movimiento remplazando el cubo por la imagen que cada estudiante realice. Para este ejercicio seguiremos los tutoriales de instalación de los complementos.